(Capítulo 17 do livro Idealismo: Os Princípios Esquecidos do Cinema Americano)
Objetividade é um dos valores mais fundamentais que buscamos na arte, e é o que permite a expressão de todos os outros valores associados ao Idealismo. Desta forma, o Experimentalismo rompe com o
Idealismo de uma maneira ainda mais radical que o
Naturalismo, rejeitando-o em sua base — no pilar da Objetividade — e em uma tacada só, impedindo qualquer outro valor de existir plenamente.
Experimentalismo em sua forma mais radical é representado no cinema por “filmes de arte”, aqueles que as pessoas saem da sala cada uma com uma versão completamente diferente do que foi que aconteceu, sem poder provar qual foi o propósito do filme ou mesmo se houve algum. São filmes que se rebelam contra todas as convenções, negam que uma comunicação objetiva entre artista e espectador seja uma virtude, negam que um filme deva passar uma mensagem específica, e defendem uma visão mais arbitrária da arte — como um cozinheiro rebelde que se recusa a adaptar suas criações à “ditadura” do paladar humano, querendo ser livre pra usar coisas não comestíveis como ingrediente — se ele assim desejar.
Em geral, estes são filmes sem tramas coerentes, onde os personagens centrais não têm objetivos claros, personalidades verossímeis, a história começa já no meio e o espectador tem que correr atrás do “bonde”, ficar atento às entrelinhas para entender o que está acontecendo. São comuns cenas longas onde nada de relevante acontece, os enquadramentos são esquisitos, muitas vezes ações importantes acontecem fora de quadro como se a câmera tivesse algum tipo de catatonia ou desinteresse crônico. A trilha sonora é dissonante, não há senso de ritmo, estrutura, os diálogos são incompletos, misteriosos, raramente há um clímax, e o filme termina quase sempre em um momento inesperado, sem um grande senso de conclusão, deixando a plateia intrigada, tentando entender a mente “profunda” do artista por trás daquilo.
São filmes que veem um grande valor na estranheza, em quebrar as regras, não para mostrar algo superior necessariamente, para contar uma história de forma mais eficiente, mas pelo simples prazer de não se conformar, de questionar o sistema, de ser anticonvencional. É a rebeldia pela rebeldia em si. Não são filmes de “vanguarda”, como às vezes tentam se classificar, pois eles não estão de fato tentando levar a arte adiante, criar técnicas novas e melhores do que as já conhecidas —, mas apenas quebrar com as regras, ir contra as técnicas já provadas, passar um senso de não conformismo. Embora seja visto como inovador, o Experimentalismo de hoje muitas vezes tem a mesma cara do Experimentalismo de 30, 40, 50 anos atrás. E não é um estilo de arte totalmente sem regras. Ao contrário, ele segue uma série de convenções de gênero e técnicas bem estabelecidas para causar certas impressões no espectador. Só que essas impressões são justamente o senso de confusão, estranheza, o convite a interpretações etc. Não é algo necessariamente inventivo, original, feito para transformar a arte do futuro. Trata-se, sim, de um movimento que sempre irá existir paralelamente à arte “funcional”, questionando e desconstruindo tudo o que ela faz.
O foco desses filmes em geral é a figura do autor e a expressão de suas preferências subjetivas, de sua personalidade excêntrica — o estilo e a identidade pessoal do autor costumam ser mais importantes do que o conteúdo e a qualidade do filme em si. Dificilmente as pessoas vão assistir filmes desse tipo pelo tema, pela história — elas vão ver “o novo do Godard”.
Nos casos extremos de Experimentalismo, não há nem como saber se o que foi apresentado no trabalho foi cuidadosamente planejado ou se foi fruto de decisões aleatórias ou de amadorismo. Nas artes plásticas, o Experimentalismo é bem mais comum do que no cinema, chegando a ser o mainstream hoje em dia (afinal, um filme custa caro, tem a necessidade de gerar lucro, o que acaba servindo de filtro contra esses experimentos).
Muita gente acaba sendo respeitosa em relação a esse tipo de arte por puro complexo de inferioridade — por medo de não ter sido capaz de entender a mensagem do artista, de ser considerada burra — o resultado pode ser visto nessas notícias, que saem cada vez com mais frequência, sobre galerias de arte onde um pedaço de lixo foi confundido com uma obra de arte pelos visitantes, que ficaram ali parados, analisando-o por horas, ou uma obra de arte que foi varrida sem querer pela faxineira, que a confundiu com um pedaço de lixo.
(Uma nota: é importante saber diferenciar o Experimentalismo real, motivado por niilismo, de filmes que são apenas menos literais, menos óbvios, que não são facilmente entendidos de primeira, mas que tenham sim um sentido racional — e esse sentido possa ser encontrado na própria obra).
Experimentalismo puro nunca é muito popular (o grande público sempre prefere histórias e mensagens sólidas — são em geral os críticos e intelectuais que se interessam por esse tipo de arte), mas muitas vezes podemos encontrar Experimentalismo em filmes mais acessíveis, populares, quando ele aparece em doses menores e ainda sobra objetividade o bastante para prender a atenção do público (vou discutir isso melhor no capítulo “
Pseudo-Sofisticação”).
Experimentalismo é um tipo de Subjetivismo. Mas existem outros tipos de Subjetivismo na arte que não se encaixam necessariamente na categoria de Experimentalismo. No caso do Experimentalismo, há um compromisso com a ausência de sentido, uma intenção consciente de romper com a objetividade, de deixar o espectador desorientado, de desconstruir o conceito de arte.
Mas há um outro tipo de artista, que às vezes pode se parecer com o Experimental, mas que na verdade está tentando sim transmitir um conteúdo, integrar a obra ao redor de um tema coerente. É o artista cujo foco principal é seu universo interno, sua própria psicologia, que enxerga a arte apenas como um meio de exteriorizar suas emoções, sensações, ideias, mas que não tem uma preocupação em entreter o espectador ou em comunicar essas ideias com clareza. Pelo contrário, este tipo de artista tende a valorizar a ambiguidade, o mistério, como se o incompreensível e o obscuro fossem de certa forma mais interessantes e sofisticados do que aquilo que pode ser compreendido claramente. Então, o artista se esconde por trás de uma linguagem turva, imprecisa, deixando a obra aberta a interpretações, estimulando o debate após a sessão, querendo que o espectador se coloque mais na posição de um psicólogo tentando decifrar a mente intrigante de seu paciente.
Se o Idealismo se baseia na
Primazia do Espectador, o Subjetivismo já pensa que o autor é a figura mais importante na experiência artística, e que o prazer do espectador deve ser sacrificado em nome disso. Se um filme é autoral, porém se preocupa também em entreter a plateia, ele pode muito bem ser considerado Idealista. Para cair nessa categoria de Subjetivismo, o espectador precisa necessariamente ser sacrificado, colocado em segundo plano. O filme
precisa ser chato.
Uma memória pessoal que ilustra bem isso vem dos tempos em que eu trabalhava em videolocadora. Era uma rede de locadoras conhecida em São Paulo por ter um acervo grande de filmes europeus, nacionais, clássicos, além dos lançamentos comerciais. Um dos diferenciais da rede era que tínhamos uma prateleira de “Filmes de Arte” com uma seleção de filmes de diretores renomados, onde em vez de os filmes serem organizados por ordem alfabética, eles eram organizados por nome de diretor. Então tínhamos plaquinhas indicando os filmes do Antonioni, Bergman, Fellini, Pasolini, Tarkovsky etc. De tempos em tempos, sempre surgia alguém que parava ali e questionava a presença de Hitchcock na prateleira. De alguma forma, parecia estranho ver Hitchcock e Godard quase que lado a lado, colocados num mesmo saco. E de fato havia algo de estranho: Hitchcock não era chato. A vasta maioria dos diretores naquela prateleira eram chatos, o que revela algo curioso sobre como as pessoas enxergam arte. Se o critério para ser incluído na prateleira “Filmes de Arte” fosse o cineasta ser talentoso e autoral apenas (ou seja, um diretor com liberdade criativa, uma visão autêntica, individual), Hitchcock poderia estar ali tranquilamente, assim como diversos outros diretores: Spielberg, Scorsese, Mel Brooks etc. Mas não era esse o verdadeiro critério por trás da prateleira de Arte. O critério era: filmes autorais
e chatos. Além de autoral, o filme tinha que ser especialmente difícil de consumir, desagradável, lento, incompreensível, falar de problemas existenciais, ter uma
visão malevolente de mundo. Subconscientemente (e infelizmente), essa é a noção que a maioria das pessoas têm do que é arte.
A única maneira de aproveitar a loucura que é esse filme é sendo igualmente insano - reagindo apenas ao imediato, ao que se vê na tela naquele instante, sem fazer qualquer tipo de associação com o que veio antes, sem nenhuma expectativa em relação ao que virá depois - apenas se divertindo com uma frase engraçadinha, com um carro bonito, com uma garota de lábios sensuais, até que os estímulos acabem e as luzes do cinema se acendam.
